Читаем Художественная галерея Нового Южного Уэльса Сидней полностью

Нынешнее ее здание является одной из достопримечательностей Сиднея. Старое крыло и фасад были возведены в промежутке между 1896 и 1909 по проекту архитектора Уолтера Либерти Вернона, работавшего на правительство. До этого коллекция искусства Сиднея ютилась в комнатах Актового зала Кларка, изначально предназначенных для танцевальных классов. Публика могла ее осматривать лишь по вечерам пятницы и субботы. Позже собрание переместилось на территорию Ботанического сада — сначала в главный зал Садового дворца, потом в специально устроенное помещение с девятью комнатами, «Крыло изящных искусств». В 1899 попечительские фонды, наконец, выделили средства для создания полноценного постоянного помещения для галереи, начался период проектирования.

Вернон считал, что обращение к готическому стилю придаст зданию большую индивидуальность и богатство, «недоступные для холодных несгибаемых линий языческой классики». Однако попечители жаждали увидеть воплощение классического храма искусств, подобного тем, что массово возводились в Европе и Америке. В итоге постройка была решена в изящном раннеклассическом духе. Нынешние формы несколько более аскетичны и сдержанны, чем их задумывал зодчий, рассчитывавший дополнить облик здания скульптурным декором, но производят гармоничное и целостное впечатление.

В 1988 пристройка увеличила площадь музея вдвое. Она обеспечила пространство для размещения искусства Азии и скульптурного сада. В 1994 открылась дополнительная галерея Йирибана, предоставившая место для расположения произведений искусства аборигенов. В 2003 были перестроена и расширена азиатская галерея и выделены специальные залы для выставок. В 2008 складскую зону переоборудовали в помещение для более 200 произведений современного искусства, дарованных музею коллекционером Джоном Калдером и его семьей.

В настоящий момент общая площадь галереи составляет 11 000 м², вмещающих богатые и разнообразные собрания западного, азиатского, австралийского искусства, искусства тихоокеанских стран, аборигенов Австралии и островов Торресова пролива, фотографий и современного искусства.

Аньоло Бронзино — один из известнейших представителей итальянского маньеризма. Его приемным отцом и учителем был Джакопо Понтормо, под руководством которого Бронзино достиг творческой зрелости.

На портрете изображен член младшей ветви знаменитого итальянского семейства Медичи — Козимо I, великий герцог тосканский. Бронзино исполнил произведение, отличающееся характерным для техники художника бесстрастием фактуры и близкой к одержимости безукоризненностью выражения идеи. Выписывание металлических доспехов Козимо потрясает достигнутой в рамках одного и того же цвета широтой тональных нюансов, отображающих градацию между затененными и освещенными частями облачения. Доспехи герцога воспринимаются как основа работы, достаточная для ее создания. Бронзино всегда сосредотачивал свое внимание на деталях костюма, орнаменте, украшениях, в то время как лица его благородных моделей близки по исполнению к гладко отполированному камню и лишены каких-либо эмоций.

Козимо Медичи был главным покровителем Бронзино. Эта картина имеет множество авторских копий, одна из которых — столь же высокого уровня — находится во флорентийской галерее Уффици.

Франс Пурбус Младший — наиболее известный представитель фламандской художественной династии Пурбусов. Рисовать он начал учиться у своего отца, затем был принят в Академию святого Луки в Антверпене. Покинувший родные земли, Пурбус в Италии стал придворным живописцем герцога Мантуанского, а затем перебрался в Париж, где работал при дворе Генриха Наваррского. Большая часть его творческого наследия — это портреты знатных людей, составившие славу мастера. Эпоха, в которую Пурбус писал их, относится к тому же этапу развития фламандской живописной школы, когда создавал свои полотна знаменитый Питер Пауль Рубенс, воплотивший на холсте идеалы барочной чувственности.

В представленном мужском портрете ощутима близкая манере Рубенса тяга к изобразительной выразительности, насыщенности и многообразию колористического решения. Собственно авторский стиль произведения отличается продуманностью и внутренней уравновешенностью. Динамика и непосредственность движения кисти, работающие на создание патетической барочной экспрессии, принесены в жертву тщательной проработке деталей.